日本商业设计

❶ 以波波点为设计主题的日本女设计师是谁

草间弥生
草间弥生
网络名片
草间弥生草间弥生（1929年3月22日－）被称为日本现存的经典艺术家，出生于日本长野县松本市，在1956年移居美国纽约市，并开始展露她占有领导地位的前卫艺术创作，现居住在日本东京。她曾与当代卓越的艺术家如安迪·沃荷（Andy Warhol）、克勒斯·欧登柏格（Claes Oldenburg）、贾斯培·琼斯（Jasper Johns）一起联展。

目录

个人经历
作品特色
其它评论
编辑本段个人经历
1939年，草间弥生约10岁时，开始被大量幻觉困扰，因而时常有自杀企图。她留有当时为母亲画的铅笔画，画中就已充满了小圆点。 青年时就读日本长野县松本女子学校，毕业后到京都市立工艺美术学校（现在的京都市立铜驼工艺美术高等学校）主修日本画。 1954年，草间在绘画作品《花（D.S.P.S）》中曾有下列的表达：“某日我观看着红色桌布上的花纹，并开始在周围寻找是不是有同样的花纹，从天花板、窗户、墙壁到屋子里的各个角落，最后是我的身体、宇宙。在寻找的过程中，我感觉自己被磨灭、被无限大的时间与绝对的空间感不停旋转着，我变的渺小而且微不足道。刹那间，我领会到这不是只有我的想像、而且是现实中的状况、我被吓到了。于是我对于红色桌布和上面的花纹产生了强烈的恐惧，我认为它就像是咒语，正在剥夺我的生活，我冲上阶梯企图逃离，但阶级却在我脚下散开，于是我从上面跌下来，脚腕也扭伤了。” 1955年，与美国女画家乔治亚·欧姬芙通信，也寄自己的水彩画给她，并开始准备到美国。 1957年，移居美国，大部份时间都在纽约市创作，并开始有“前卫的女王”之称。 草间弥生作品
1960年代参加了许多反战运动。 1962年，在纽约市的绿艺廊参加了七人联展，展出作品是软雕塑，参展艺术家包括了安迪·沃荷、克勒斯·欧登柏格。 1965年，在纽约展出《无限镜屋》（Infinity Mirror Room），个人特色（白底红点、大面镜、艺术家站在中央）相当引起注意。 1966年，作品《无限的爱》（Love Forever），使用小圆灯泡和大面镜无限反射的空间装置，造成了相当视觉迷幻的作品，可说是草间的成名作。该年受邀参加了第33届威尼斯双年展。作品名为《那克索斯的花园》（Narcissus Garden），以1500个金色镜球（内部是塑胶制）装置组成，放在Italian Pavilion户外展场上，草间本人穿着金色和服端坐其中。并立牌告示一个金球价格美金2元。由于她作品中强调艺术应如超市可销售的概念，引起了不少的争议。 1968年，创作短片“消灭自己”（草间の自己消灭）得到了比利时第四届国际短片大奖与第二届日本联合树下电影节（アン・アーバー映画祭）的银奖。 1973年，返回日本。 1978年，在日本出版了第一本小说《曼哈顿企图自杀惯犯》（マンハッタン自杀未遂常习犯） 1983年，新小说《克里斯多夫男娼窟》（クリストファー男娼窟）获得日本第10届野性时代新人文学奖。（此书在1999年有中文翻译，由皇冠出版社出版，ISBN：9573316374） 1993年，代表日本参加威尼斯双年展。 1998年，参加了台北双年展。 1998年出版的草间弥生作品集，收录了她在1958年到1968年间的当代艺术作品1951年，青年时的绘画作品《彷徨的梦》（Zanmu）获得日本第二届创作奖入选。 2000年，参加澳大利亚雪梨2000双年展。作品是1965年的《无限镜屋》（此作品在1998年用同样的材质复制，原作已毁损。整个作品空间为250 x 500 x 500 厘米） 2001年，获得日本朝日赏Asahi Prize。 2002年，出版自传《无限的网》。 2003年，在日本与美国展开了长期的巡回回顾展。并获法国文化部颁发艺术及文学骑士勋章（Chevalier de l'ordre des arts et des lettres） 今日她住在东京的心理治疗所中，并以七十多岁的高龄继续从事艺术创作，她的工作室离治疗所不远，她曾经常对媒体表示“如果不是为了艺术，我应该很早就自杀了。”
编辑本段作品特色
草间弥生的创作被评论家归类到相当多的艺术派别，包含了女权主义、极简主义、超现实主义、原生艺术（en:Art Brut）、普普艺术和抽象表现主义等。但在草间对自己的描述中，她仅是一位“精神病艺术家”（obsessive artist）。从她的作品中可以看到，她企图呈现的是一种自传式的、深入心理的、性取向的内容；草间所用的创作手法则有绘画、软雕塑、行动艺术与装置艺术等。 草间在相当早的创作时期就发展出了自己的特色，她善用高彩度对比的圆点花纹加上镜子，大量包覆各种物体的表面，如墙壁、地板、画布、家里会出现的物品（还有裸体的助理）。她自己的打扮往往也与作品有很高的同质性，并以短上衣和非常强烈的眼影妆闻名。草间曾说明这些视觉特色都来自于她的幻觉，她认为这些点组成了一面无限大的补捉网（Infinity nets），代表了她的生命。 此外，草间也发展出自己独特的“繁殖”特色，她有许多作品都以蕈类聚生的造型出现。在1990年代之后，草间加入了商业艺术的领域，与时装设计界合作，推出了带有浓厚圆点草间风格的服饰，并开始贩卖许多艺术商品。 草间也算是日本当代作家之一，自她在1978年回到日本定居之后，陆续出版了含自传在内有10几本书籍。除了前面生平提到的几本重要小说之外，还包括了《圣马克教堂的燃烧》（1985年）、《天地之间》（1988年）、《拱形吊灯》（1989年）、《樱冢的双重自杀》（1989年）、《如此之忧》（诗集，1989年）、《鳕鱼角的天使》（1990年）、《中央公园的毛地黄》（1991年）、《沼地迷失》（1992年）、《纽约故事》（1993年）、《蚂蚁的精神病院》（1993年）、《堇的强迫》（1998年）、《1969年的纽约》（1998年）
编辑本段其它评论
草间弥生——这个名字听起来相当古典和优雅,但是任何看到其作品的人都会得到截然不同的感受----无穷无尽的圆点和条纹，艳丽的花朵重叠成海洋，混淆了真实空间的存在，只有阵阵眩晕和不知身处何处的迷惑。 重复性的圆点对于草间弥生与其被当作她与世界沟通的途径，不如说是一种治疗。1929年生于日本本土的草间是一个孤独的孩子，在幼年时代她就对现实生活视域中的圆点充满兴趣。镜子，圆点花纹，生物触角和尖端都是草间弥生后来作品中重复出现的母题，她对斑点的迷恋源自幼年患有神经性视听障碍，这场疾病使她看到的世界仿佛隔着一层斑点状的网。 于是她开始画这些斑点，它们像是细胞，种族，分子，那些生命最基本的元素，草间弥生把它们看成是来自宇宙的和自然的信号。“地球也不过只是百万个圆点中的一个。”她用它们来改变固有的形式感，在事物之间刻意地制造连续性，来营造一种无限延伸的空间，置身其中的观众无法确定真实世界与幻境之间的边界。 《来和我说话》是草间弥生最喜欢的一首歌，也许她忘记了在年轻在纽约玻璃残缺的房间里度过的冬天，虽然有20年的精神病史，虽然是当今最著名的前卫艺术家，但她仍然喜欢一个人在家，端坐在自己标志式的圆点做成的沙发上，面无表情弹着钢琴哼唱： 拆掉幻想的大门 在沉痛的花朵中 现在从未终结 在通往天堂的路上 我的心沉陷于温柔 向天空呼喊 它蓝色的影子变得透明 拥抱虚幻的阴影 云升 眼泪的声音淹没玫瑰的色彩 我变成石头 不是在永恒的时间里

❷ 高人： 快告诉我日本现代设计的背景及风格特征 快啊

日本在第二次世界大战之前并没有什么重要的设计活动。日
本从1868年的明治维新运动以后才开始自己的现代化运动，逐渐
进步工业化时代，19世纪末期已经把国家的中心放在海外扩张上
，甲午战争以后占领台湾，日俄战争以后进入辽东半岛，1910年
兼并朝鲜，直到1931年占领中国的东北地区，1941年发动太平洋
战争，基本没有进入真正的和平经济发展阶段，全部现代化时间
都耗费在军事扩张上，因而，虽然有过一些零碎的设计探索，但
始终没能够进入现代设计的运动阶段。日本的真正设计发展，是
在第二次世界大战以后，特别是1953年结束的朝鲜战争之后的事
。

日本用了很短的时间，从1953年前后开始发展自己的现代设计
，到80年代已经成为世界上最重要的设计大国之一，不但日用品
设计、包装设计、耐用消费品设计达到国际一流水准，连汽车设
计、电子产品设计这类学要高度技术背景和长期人才培养的复杂
设计类别，也达到国际水平，使世界各国对日本设计另眼相看！
而日本能够在如此短暂的时间内取得这样显著的成就，也是设计
理论非常重视的课题。

日本是世界发达国家中唯一的非西方国家，唯一的亚洲国家，
它的工业革命比各国迟到100年以上，它的民族传统、设计风格、
文化根源与西方格格不入。因而，它如何能够发展自己具有世界
竞争水平的设计，就更加令人感兴趣了。

日本国土虽然狭小，但是人口总多，在一个小于美国加利福
尼亚州的领土上，居然能够容乃下1.3亿人口，可见居住空间下载
是日本人生活的一个特点，这个特殊的背景，在日本的传统设计
与现代设计中都得到鲜明的体现。

日本的文明发展是基于大量地借鉴外国文明的精华基础之上
的，公元7世纪到9世纪从中国学习文化，乃至文化的借鉴；明治
维新之后从德国学习工程技术，从英国借鉴文官制度和社会管理
体系；第二次世界大战之后从美国学习先进的现代的企业管理技
术和科学技术，等等，把这些因素结合起来，加上自己的消化，
达到融汇贯通的地步，形成自己的独特的文化。日本的设计发展
也是基于这种模式。因此，从传统的日本设计中，可以看到中国
、韩国的影响；从日本现代设计中；从日本的现代设计中，则可
以看到美国的、德国的、意大利的影响。日本是一个学习外国先
进经验最好的学生，但是，也是最能够把别人的经验和自己的本
国国情结合，发展自己独特体系的国家。因此，不能说日本的经
验仅仅是建立在抄袭别人经验之上。日本多年学习的历史，造就
了一种超级的消化和选择机制，加上日本本身的文明传统，特殊
的地理环境，特殊的社会结构和人际关系网络，使日本的文化、
经济、政治都与众不同，而日本的设计也因而具有自己非常特殊
的形式。

日本设计的一个非常重要的特点是它的传统和现代双轨并行
体制，针对日本国内市场与国际市场不同的两种设计体制也是双
轨并行的。世界上很少国家能够在发展现代化时候能够完整保持
、甚至发扬了自己的民族传统设计，也很少有国家能够使两者并
存，同样得到发扬光大。日本在这方面为世界，特别是为那些具
有悠久历史传统的国家提供了非常有意义的样板。

日本的设计具有非常与众不同的特点，
从第二次世界大战以后
开始发展现代设计以来，它的传统设计基本也没有因为现代化而
破坏。它的传统设计和现代设计一样，都达到几乎完美的地步，
无论是日本的陶瓷、传统工艺品、传统服饰、传统建筑、传统文
化的设计如茶道、花道、盆景设计。还是现代设计，如汽车、家
电、现代建筑和环境设计，平面设计、包装设计、展示设计，都
是令人侧目的。

设计评论家厄尔 j.v.Earle 认为日本设计可以终结成两大类
，即：

1>色彩丰富的，装饰的，华贵的，创造性的；

2>单色的、直线的、修饰的、单纯与简朴的。

他的这种看法和分析，基本上可以说是指出了日本设计的形式
风格特征，比较倾向表面分析。
对于日本设计形式之所以存在这
两个方面的特征，他倒没有做出结论。其实，这两种风格并存的
原因，存在于日本文化中的双重性之中，这种双重性是指：

1>日本文化中的东西方文化并存特征；

2>日本文化中华贵与单纯、俭朴并存特征。

对于这个特征，日本学者Masara Katusumie 说：日本人把折
衷主义当作一种优点来吸收，并且利用折衷主义来增加他们生活
的多样性，使生活更加丰富。

日本文化中出现这种双重性或者折衷性的原因比较复杂，大约
可以归纳为几个因素：

1>因为日本文化中的模式和类型众多，日本人珍惜他们辛辛
苦苦学习和发展的每一个文化体系、每一个文化模式，每一个文
化类型，不希望、也努力做到不会出现以某一个文化类型、体系
压倒另外一个的情况，尽量做到兼收并蓄、尽量做到文化的多元
化，所以他们使每一个模式和类型都得到发挥。目前日本设计中
的两种类型并存的情况，特别是日本人对这种并存的满意，其实
是历史背景下的产物。

如果要了解日本对于文化多元性的容忍水平，从他们对于宗
教的态度来看，就可以了解到。自己本身的宗教，或者民族宗教
是神道信仰；7世纪开始从中国传入佛教，很快得到发展和广泛流
传；17世纪前后欧洲人把基督教传入日本。长期以来，日本都是
三种基本宗教并存，基本没有出现某种压抑某种的情况，文化多
元的程度可见一斑。从某个角度来说，日本的历史是吸收外国文
化的精华，使之成为自己文化的组成部分的一个长期的、连续不
断的历史过程。

2>另外一个因素，是日本人的哲学观念影响。他们一向认为世
界的发展是比较辨证的，宇宙的一切都像四季，变化交替，周而
复始、循环不已，因此在设计上不追求永世不变的单一标准，而
更加具有宽容，在观念上和设计上更加具有高度的弹性。

比较多的人对日本传统文化能够顺利地与现代文化接轨，而不
象其他亚洲国家那样需要经过痛心疾首的研究，唯恐国粹在现代
化的过程中被蚕食或破坏非常感兴趣。原因是什么呢？日本文化
之所以能够与现代文化顺利接轨，究其原因，归结起来看，应该
说有以下几个要点是具有决定作用的：

1>日本的传统文化基础是大众的，而非贵族的；

2>日本传统文化的单一种族基础，使这种文化能够穿越阶级隔
阂而成为全民的文化。日本是一个单一民族国家，全国人民都是
一个种族，这种高度单一的文化特征，的确减少了文化过渡时的
种种障碍，国家狭小，民族单一，因而文化比较容易成为全民的
。这是与西方现代文化接轨时非常重要的因素。

3>日本重视集团和团体，而轻视个人，因此文化可以兼而具有
活跃和稳定的双重特征。
这种因素，对于日本传统文化和西方现
代文化的结合也非常有意义。

日本的几个宗教信仰和历史发展阶段都对日本的设计带来本质
的影响作用。比如：

1>日本人传统的神道信仰——对于自然、祖宗的尊敬和崇拜，
形成日本人对于自然风格的高度喜爱，并且形成了干净、整洁的
民族习惯和民族文化特征。

2>日本人对于佛教禅宗的信仰——形成日本人简朴、单纯、自
然的文化。并且喜欢非完整、非规则的美学特点，在思想上也推
崇老庄的无为学说，精神上推崇退隐化、自我控制、自我修养、
以小我为中心的内心世界和孔孟的大我、次序、仁人、中庸、外
部体系同时并存。

3>日本17世纪到19世纪经历了高度商业化的江户时期——这个
阶段，日本商业文化高度发展，形成大众、都市文化，形成日本
人重视和喜爱奢华平面装饰特征、喜欢商业修饰和大众化的文化
特征，是日本设计的另外一个重要的影响因素。特别在平面设计
上体现丰富。

4>第二次世界大战后的美国占领时期——形成日本人消费社会
的趋向、美国大众文化的影响特征。

5>朝鲜战争以后日本经济高速发展——形成日本人对高科技的
喜好的文化特征。

日本传统文化讲究三个基本立场，这个三个基本立场都反映在
日本传统与现代设计中，这三个立场是：

1>wabi：含义是一无所有、零、有限；

2>sabi：含义是永恒、简朴、功能和形式的合一；

3>shibui：含义是严峻品味。指以物写意：简朴、不卖弄。

以日本的传统建筑来作为例子，分析日本的设计原则和特点是
非常典型的。日本的传统住房和日用品设计，具有以下几个明显
的设计特征：

紧凑型

轻便性和便携性

直线性形式

选择性

减少主义特征

模数体系和标准化特点

从内向外的设计模式

从细节到整体的设计模式

❸ 日本的现代设计的发展概况和特点、名家

1、概况：日本设计的一个非常重要的特点是它的传统与现代双轨并行体制，针对日本国内市场与国际市场不同的两种设计体制也是双轨并行的。

2、特点：在创造空间时，对表层选材的处理十分重视，往往强调素材的肌理，暗示功能性来突破框框。大胆地原封不动地表露水泥表面、木材质地，以及铝合金、钢铁等金属板格、金属复合板材、人造石、马赛克等饰面。

着意显示素材的肌理效果或本来面目，加以精密的打磨，使这些现代技术加工的表层材料质感完全像是用相机拍摄的效果一样，或像透过滤色镜观看材质一样的诉诸视觉的材料运用。

3、名家：，丹下健三、黑川纪章、矶崎新、安藤忠雄等。

(3)日本商业设计扩展阅读：

名家代表作：

1、丹下健三

东京奥运会主会场、广岛和平纪念资料馆、广岛和平纪念公园、、东京罗马天主教圣玛丽大教堂等。

丹下健三，日本著名建筑师，曾获得普利兹克建筑奖，东京奥运会主会场就是他的杰作。1961年他创建了丹下健三城市·建筑设计研究所。1964年东京奥运会主会场——代代木国立综合体育馆，是丹下健三结构表现主义时期的顶峰之作，具有原始的想像力，达到了材料、功能、结构、比例，乃至历史观的高度统一，被称为20世纪世界最美的建筑之一。

2、黑川纪章

大阪国家人种学博物馆，福冈现代艺术博物馆，郑东新区CBD等。

第二代日本建筑师，曾多次获奖并获得多项国际荣誉。他曾与和矶崎新、安藤忠雄并称日本建筑界三杰。

❹ 日本设计在设计界有举足轻重的作用，日本设计为何走在世界前列

当今规划的一些要点是在局部细节上改变人们的生活，这不同于欧洲追求科技感和优雅的规划理念。日本人越来越追求“消极计划”的概念。消极规划是在满足人们使用需求的前提下，将复杂性降低到相当低的水平，而不管使用过程中的外观或基本学习。日本的规划在规划领域发挥着重要作用，因为日本的规划理念过于先进。

这个项目的方向是发展儿童审美项目。 目标群体基本上是儿童，但内容质量远远高于学前教育本身。甚至喜欢设计的成年人也特别适合观看。 最重要的是，演出阵容基本上覆盖了日本设计界的半边天。

❺ 求：日本游路线设计

日本全景超值六日游
第一天青岛大阪飞机晚集合于青岛流亭机场，领队为您办登机手续之后，搭乘日本全日空豪华客机NH158(1400/1715)飞往日本大阪,晚餐后入住酒店休息. 住关西
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第三天京 都-箱根汽车早餐后乘车途经名古屋，前往箱根富士山风景区，游览平和公园，白舍利塔，远眺富士山美景，当晚入住温泉旅馆，品日餐、穿和服、泡温泉。 住箱根
第四天箱根-横滨-东京汽车早餐后亲临原火山爆发处-烟雾燎绕的大涌谷地狱，赠送：乘船游览芦之湖，可登临富士五合目近距离欣赏美丽的富士山（自费项目：260元/人，如时间许可），而后乘车前往横滨游览中华街，山下公园，二十一世纪未来港，而后前往东京，游览皇居、二重桥，都厅展望大厅一览东京全景。 住东京
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❻ 字体设计想问一下日本商业设计 都选用什么字体

谔谔
很多字体
数不清的哟

❼ 请问在日本，和室内设计有关的大奖有哪些

“亚太室内设计大奖”（Asia&Pacific Interior Design Award）成立于1992年，是迄今为止亚洲最高规格的亚洲室内设计奖项。回至今，答每年有香港、中国大陆、台湾、日本、韩国、澳洲以及新西兰等近20个国家和地区的1000多名设计师参加评选,是亚太地区最高规格室内设计奖项。

日本商业空间协会赏(日本)

JCD(商环境设计家协会）设计奖(日本)

亚洲(公寓)金奖(中国)

商业地产奖(中国)

现代装修国际传媒奖 (中国)

更过设计比赛：
http://design.icxo.com/top_view.html?smallclassid=14811&type=.htm

❽ 日本的现代主义设计的发展

在回顾了历史的同时，我们有必要分析现阶段的设计与大众审美的状况。现代社会是个开放性的社会，随着经济的全球化，技术与文化等也变得全球化了。技术可以不断引进，而西方的文化冲击带来了正面的和或多或少负面的影响。这就给中国的设计师提出了严峻的考验，怎样在抵御外来文化负面影响的冲击下引导本国大众的本土审美，也就是我们所说的本土化设计和民族化设计。可以毫不隐讳地说，中国现今的设计大部分处于模仿阶段，并且这种模仿不加入任何的民族意味，简单的改型和变色就成为自己的设计，这种方式不可能引导大众的本土审美，它没有唤醒大众内心的民族意识，缺少一种精神上的东西。只能说它迎合了大众对全球时尚化的需要心理。放眼国外，一些设计大国都有自己引以为豪的设计ICON,美国的福特、通用、苹果与IBM等；德国的奔驰和宝马；意大利的法拉利。可以说举不胜举。但中国的ICON还只能感谢古人的宝贵遗产。其实在设计史上借鉴他人设计风格，然后形成本国独特的风格的成功案例比比皆是。例如，斯堪的纳维亚的有机现代主义就是将注重功能主义的现代主义设计与本土的人文主义的传统设计相结合，从而产生了一种更富情感化的设计。就风格而言,斯堪的纳维亚设计是功能主义的,但又不像20世纪30年代那样严格和教条。几何形式被柔化了,边角被光顺成S形曲线或波浪线,常常被描述为“有机形”,使形式更富人性和生气。50年代斯堪的纳维亚设计盛极一时，其朴素而有机的形态及自然的色彩和质感在国际上大受欢迎，成为了当时欧美最流行的一种设计风格。另一个成功案例是意大利的设计。意大利设计是一种一致性的设计文化，这种设计文化是根植于意大利悠久而丰富多彩的艺术传统之中的，并反映了意大利民族热情奔放的性格特征。战后初期的意大利深受美国设计的影响，这种影响是两方面的。一方面受到所谓“优良设计”的功能主义影响；另一方面，美国的商业性设计，特别是流线型设计也对意大利产生了较大影响。但是，设计师们并不是生搬硬套，而是通过借鉴与自己的传统进行综合，创造出了完全意大利式的设计。我们再来看看通过模仿最终形成特有风格的日本设计。日本最初的设计师深受西方设计概念影响的，这与一些西方著名的设计师到日本交流的活动密切相关。如英国的德莱赛和奥地利维也纳学派的创始人瓦格纳等。第二次世界大战之前，日本的民用工业和工业设计并不发达，很多工业产品直接模仿欧美的样本，价廉质次。由于政治和经济等原因，日本与德国的交流使得包豪斯的设计思想流入日本，对其后来的设计产生了巨大影响。在经历了恢复期，成长期和发展期之后，日本的设计已经可以唱响设计界了。日本的设计采用双轨制，对于传统的服装，建筑等还采用传统的方式，但现代的工业产品则颇具现代意味，形成了小、巧、轻、薄的独特风格。其实日本设计的发展很大程度上与政府的支持分不开，各种大型的展览，设计院校的成立和设计奖项的设立都是这方面的表现。

❾ 日本设计对中国设计的影响

浮世绘是日本文化中最灿烂同时也是最具有代表性的艺术。应该说最初的浮世绘混血性格是毋庸置疑的。唐宋的佛画，明初的小说插图，木版画及彩色套印术，都为日本浮世绘艺术提供了优秀的技巧典范和生动的视觉形象。
但随着城市工商业的发展和市民阶层的形成，表达市民生活的浮世绘开始由混血演变成本土化的东西，并成为江户时期日本美术的主导。一直到19 世纪后半叶，浮世绘又被大量流传到西方，当时西方画家马奈、莫奈、德加、梵·高、高更、毕加索等人从浮世绘中汲取养分、得到启迪，从而兴起绘画革新运动，以致影响到设计和建筑，从而引发了欧洲文化史上的日本主义运动。解读日本浮世绘奇特的成长过程，在当今社会具有一定的现实意义。

有人说越贴近现实生活的形式越容易被现实所摧残。但作为浮世绘与现实生活的紧密联系却为我们揭示了这样一个事实：越是贴近生活的，体现民族性的艺术，越能够发展壮大。
远在7 世纪，日本本土文明还未形成体系时，唐文化就被引进日本，木版画也随之传入。日本木版画初期在技法上只是摹仿唐人之法，内容也多为仿效唐宋佛画。!所以，此时的木版画只限于在寺院和贵族等少数人群中间流传。经过两个世纪的酝酿，日本文化出现了“国风”倾向，日本艺术家以自己的聪明才智，发展了本民族艺术。到了世纪，日本民族艺术发展成熟，产生了“大和绘”这一艺术流派。这个画派追求更能体现日本民情的装饰风格，注重线条、空间分割，以及绚丽的色彩。它为华贵的建筑作壁画，绘制室内的障子和屏风，也一改“唐绘”之习，选题多为四季风景、名胜古迹，表现日本的风土人情，具有浓郁的本土气息和深厚的写实基础，为以后浮世绘艺术的发展开辟了先路。
到了日本的江户时代，随着社会相对稳定，经济发展，市民阶层逐渐壮大，画坛上反映市俗生活，注重感官刺激的美学意识也理所当然受到日本社会的普遍风气的支配，风俗画逐渐取代了游乐情景的屏风画，导致风俗画需求量的增大。
此时，从我国传入的可批量印制的木版画，遇到了适合发展的环境，迎合了这些城市市民的需要。日本艺术家在木版套色上下功夫，画幅开始变小，市民情趣加浓，尤其出现了庶民艺人、歌伎舞女、歌舞题材，受到了上至贵族、武士、下至市民各阶层的普遍喜爱。据日本史料记载：“浮世绘”这个名词也就是在这个时期出版的《每日游》序文中第一次出现。!
“浮世”在日语中意为尘世、流行之意。以“浮世绘”称呼当时流行的世俗社会视觉化的木版画最为妥切，浮世绘便应运而生了。
浮世绘产生的初期，在技法和内容上深受我国明代画风的影响。套色印刷术始于我国五代，到了明代，套色印刷有了新的发展，色彩更丰富。据史料记载：明代有一批擅长套色印刷术的中国工匠东渡日本， "他们对传播先进的印刷术起了积极的推动作用。在我国明代木刻版画高度发展的影响下，浮世绘由早期的单墨色木版画经过丹绘、红绘、漆绘发展到以红、绿为主调的木版彩色印刷，最后集大成于多色印刷木版画的绵绘，经历了一个引进、吸收，再发展的过程。
内容上，中国风俗画对其影响也极为明显。我国明代中期已产生资本主义萌芽，商品经济的发展，使反映市民生活的艺术也广为流传。在绘画艺术方面，明代的木刻插图小说广为流行。吴门四家中的唐寅、仇英都是美人画的高手。对明人绘画的鉴赏与学习，使日本浮世绘艺术家获得新的灵感。
日本的浮世绘艺术在融合外来艺术与本民族艺术的基础上，最终形成了独具民族特色的丰姿。从引进的木版画到演变成浮世绘这个过程中，我们不难发现日本民族文化的特性不是被冲淡了，而是被加强了。一个民族文化的特性是一个民族在特定的生存地域环境中孕化而出的，它是无形的，无处不在的，外来文化无处不受它潜移默化的影响，以致形成质的飞跃。另一方面，本土文化吸收外来养分有如异花受粉，使之发展得更为灿烂，更具有特色，最终成为世界性的艺术。

❿ 简述日本设计中的“双轨制”

日本设计在处理传统与现代的关系中采用了所谓的"双轨制"。

即：一方面在服饰，家具内，室内设计，手容工艺品等设计领域系统的研究传统，以求保持传统风格的延续性;另一方面在高技术的设计领域则按现代经济发展的需求进行设计。

这些设计在形式上与传统没有直接联系，但设计的基本思维还是受到传统美学观念的影响，如小型化，多功能及对细节的关注等。通过这种"双轨制"，使传统文化在现代社会中得以发扬光大，并产生了一些优秀的作品。

(10)日本商业设计扩展阅读

“双轨制”在日本形成的原因：首先，日本是一个历史悠久的国度，大和民族十分注重本土文化同时又十分善于吸收外来文化。其文化受到了中国传统文化的巨大影响，具有典型的东方底蕴，同时也形成了其自身的特色。

其次，由于日本是一个岛国，自然资源相对贫乏，出口电器便成了它的重要经济来源，此时设计的优劣直接关系到国家的命脉，因此日本人将设计视为民族生存的手段，日本政府也十分关注日本的设计。所有这些导致了“双轨制”这一特殊的设计理年在日本的形成。