图画创造

Ⅰ 如何创造出自己的绘画风格

绘画风格的形成靠的不仅仅是个人的天赋还有不懈的努力，有关的解释如下：
一、简介绘画风格：
绘画风格是表现了强烈的个人特征及审美感受.就像同一处风景，在每个人的感受中都不相同，有的人会把色彩画的非常浓烈，而有的人则画的淡雅，还有的人却画的只能意会不可言传。还有构图，绘画手法等多个方面来体现出绘画者的个人特征和审美感受。
二、关于如何创建属于自己的绘画风格应该注意的事情：
绘画风格的形成有很多因素，包括画家的成长历程、性格特征、兴趣爱好以及修养和学问。
绘画风格的形成，在形式上有很多种类，比如绘画的题材、常用的标志性符合、常用的色调、特有的肌理效果以及笔性的特征等等。
绘画风格的形成是一件相当艰难的事，因为它形成的过程相当复杂，它可遇而不可求，是一件水到渠成的事，并且它讲究的是“师出有承”、“笔笔有出处”，而不是凭空臆造的“闭门造车”。
同时，绘画风格的形成也是一件十分简单的事，说白了，只要不厌其烦地重复同一主题、同一色调、同一标志性符合、同一肌理效果的画法，时长日久必定会成为自己特有的风格，或者说，只要有人见到此种特征的作品，就基本上可以断定是出自谁人之手。
但是，当画家的风格特征太过明显，又将出现另一种新的困境——难免给人千篇一律之感。假如一个画展，画家展出一百幅作品，但全都是一模一样的风格，必定会让人产生审美疲劳，这等于只看一幅就已经看了全部。像这种“窥一斑而见全豹”的作品，实在没有多大的意义，毕竟物以稀为贵，如果见多了，久而久之便见怪不怪了。
最后，还不得不指出的是，画家的风格虽迥然各异，但也有境界的高低之分。以上所说的题材、色调、符号、肌理等因素，都是比较肤浅的层次，只能属于小乘境界。真正的高层境界还是要回归到笔性，回归到修养，回归到学问，至于画家能否做到这一点，全凭自身的天赋和努力。

Ⅱ 如何培养幼儿的绘画创造力

一、教师应注意对自身创造性素质的培养
绘画教学中促进幼儿创造力发展的因素很多，有的来自于教师本身创造性素质，也有来自家长和幼儿方面的。其中起决定性作用的还是创造性教育的实施者——教师。应当首先增强对教师自身创造性素质的培养。德国著名心理学家戈特弗里德?海纳指出：“倘若把创造力作为教育的目标，那么实现的前提就是创造型的教师。”幼儿大都喜欢摹仿教师，他们常有意无意地采取与教师相似的行动，从而学到教师的某些行为和思维方式。创造型的教师在教法，倾向于采取“建设性的行为”来发展幼儿的创造力。这些富于创造性的言传身教，就成为幼儿进行创造性活动的良好刺激和榜样。因此，有必要加强教师创造性素质的培养，最大限度地给予幼儿表现创造力的机会。同时，教师要树立现代的教育观，侧重幼儿的思维能力、表现能力和创造能力的培养，只有具备这种观念的教师才会自觉地改革传统教育中束缚幼儿创造力发展的做法，不至于把前面所说的幼儿的各种创造性探索行为看作淘气、捣乱、有意破坏而加以限制。如在一次绘画课上，让幼儿画小朋友坐滑梯的场景。我在示范画上添加了太阳公公、小草、小花等。有一名小朋友没有按照我的画法做，却将太阳公公的胡须画得很长很长，成了一座小滑梯，小朋友们顺着太阳公公的长胡须滑上滑下，一个个动态可掬的幼儿栩栩如生。我问这个小朋友为什么要这样画，小朋友说：“这多有趣呀!”当即我在全班幼儿面前表扬和鼓励了这名幼儿。此后，这个小朋友画画的劲头更大了，总是能想出好多新颖、独特又极富童趣的作品。
二、增强幼儿的自信心是培养和发展幼儿创造力的基础
对儿童自信心的培养极为重要，他们能否大胆地表现自己的想法，大胆地描绘世界，与他们自信心的强弱有着密切的关系。自信心强的幼儿，他们的画面表现力较强，想象奇异丰富，线条生动流畅，构图饱满，色彩鲜明。自信心较弱的幼儿多在绘画中表现出胆小、谨慎，画面空洞，线条呆板生硬，缺乏生动性。对这些自信心较弱的幼儿，老师和家长切不能因此而批评嘲讽，否则幼儿会变得越发胆小，更加不敢动笔，久而久之会逐渐丧失学画的兴趣。在幼儿遇到困难和出现错误时，老师和家长应帮助他们找出问题的所在，鼓励他们多注意观察描绘对象的典型特征，争取能有所提高。当幼儿有所进步时，应及时加以表扬，或者向其它幼儿展示以提高其自信心。家长也可以在幼儿的房间布置小画廊，把幼儿的好作品装上镜框，摆在显眼位置，让家人欣赏。还要经常把幼儿初学的作品拿出来和近作加以比较，让幼儿自己去评判是否有所进步。逐步树立幼儿的自信心和画画的兴趣。
三、对幼儿好奇心、想象力的支持和保护对创造力的培养有较大作用
在教育实践中，我们发现，许多教师和家长对幼儿绘画的指导方法不很妥当。总是一味要求幼儿按照教师的范例进行摹仿，不允许有丝毫的变动。比如，一次画菊花，我的范画用了橘红色和黄色，有的幼儿想换几种颜色，旁观的家长马上制止：“你看清楚老师用的什么颜色，别弄错了。”也有的家长大声斥责孩子：“又弄错了，今天不画好就别回家。”根本不注意保护幼儿的自尊心，限制他们的想象力和创造力的发展。许多老师和家长很注重绘画技法的训练和知识的灌输，一味求全责备：“你看你画的就不圆，小马的眼睛怎么会那么大呢?”有一次，我班绘画能力较强的小朋友模仿老师画了一个小朋友后又在旁边加了一团黑色。她爸爸马上皱起了眉头：“这是什么乱七八糟的东西?”“这是小朋友的影子。”孩子自豪地说。“谁让你画了，没看见老师只画了一个小朋友吗!”孩子看着爸爸严肃的脸色，呆呆地点了点头。孩子的一次极富创造力和想象力的设想就这样被家长扼杀了。要知道，这团黑色对这个孩子来说是多么的珍贵，是她经过想象独立自主创造出来的，完善的摹仿毕竟是摹仿，有缺陷的创造终究还是创造。心理学家康定斯坦曾经感慨地说：“儿童直接从他们的情绪深处所构造的形式，岂不要比那些希腊式的摹仿作品更富有创造性吗?”
四、教师的积极评价是发展创造力的重要手段
幼儿的自我评价主要依赖于成人的评价。尤其是幼儿心目中最有威信的老师的一言一行，批评或表扬往往是幼儿评价自己的标尺。在绘画教学中，教师对幼儿作品给与积极评价能使幼儿体验到绘画的乐趣，激发幼儿的自信心，使他们更大胆，更富有想象力。而消极的评价给幼儿带来的不良影响则是长期的，往往使幼儿丧失对画画的兴趣，不愿甚至不敢提笔。

Ⅲ 什么是由抽象到绘画途径的重要一环标志着幼儿也能画出具有创造意义的图画

【曼陀罗 】是由抽象到绘画途径的重要一环，标志着幼儿也能画出具有创造意义的图画

Ⅳ 如何用画画表达发明创造

就是说在绘画的过程中在遵循绘画的一般规律的前提下，运用所学的知识进行创造性的绘画，创造不等于凭空捏造，任何东西都有它存在的理由和根源，这就需要平时的积累（如：知识，创作元素也就是资料的积累），如果想在一幅画上体现自己的思想创造，首先得有一个主题，为了主题而进行的元素分配，并不是生搬硬套，要提取精华，再加以美的原则，绘画最重要的就是体现美和思想，这些只是我自己在绘画过程中搜积累的一点经验，，

Ⅳ 新古典主义绘画创造的是一种什么样的美

新古典主义于19世纪上半期发展至顶峰。19世纪时，法国绘画在造型艺术中取得了压倒一切的地位。科学的飞速发展进步使人们既渴望发明和创新，又不断地产生厌倦，这就造成了欣赏趣味上的巨大差异，并行成各派挺起、大放灿烂之花的繁荣局面。
随着大革命的到来，艺术倾向从表现女性的肉感变为显扬视死如归的坚强。追求共和制的资产阶级以历史上的罗马作为借鉴，本是再自然不过的；庞贝古城的出土更激起对古典艺术崇拜的狂热；而新古典主义的杰出代表是大卫连续展出三副歌颂古代英雄的力作《荷加斯兄弟的宣誓》、《苏格拉底之死》、《布鲁图斯》，无疑起到推波助澜的作用。
新古典主义，首先是遵循唯理主义观点，认为艺术必须从理性出发，排斥艺术家主观思想感情，尤其是在社会和个人利益冲突面前，个人要克制自己的感情，服从理智和法律，倡导公民的完美道德就是牺牲自己，为祖国尽责。艺术形象的创造崇尚古希腊的理想美；注重古代艺术形式的完整、雕刻般的造型，追求典雅、庄重、和谐，同时坚持严格的素描和明朗的轮廓，极力减弱绘画的色彩要素。
“新古典主义”的“新”在于借用古代英雄主义题材和表现形式，直接描绘现实斗争中的重大事件和英雄人物，紧密配合现实斗争，直接为资产阶级夺取政权和巩固政权服务，具有鲜明的现实主义倾向。它与古代艺术的联系是非常紧密的。如达维德的《荷拉斯兄弟之誓》,这幅画明显表现出庄严、雄伟的希腊和罗马艺术的影响,对公民道德 加以颂扬,又同法国革命的步调一致,引起了资产阶级的强烈共鸣。
新古典主义又不同于17世纪盛行的古典主义，它排挤了抽象的、脱离现实的绝对美的概念和贫乏的、缺乏血肉的艺术形象。它以古代美为典范，从现实生活中吸取营养，它尊重自然追求真实，以及对古代景物的偏爱，表现出对古代文明的向往和怀旧感。

Ⅵ 如何培养幼儿的绘画创造意识

（一） 在日常生活中逐渐丰富幼儿的内在储存。
因为储存的图示越多，幼儿可想象的内容越丰富。因此，我们经常通过组织听故事、看动画片、欣赏各种动物的图片、卡通图案、组织外出参观、散步等，不断积累幼儿的内在储存，提高他们观察美、发现美、表现美的能力。如：幼儿在看过“建筑艺术”图片展后画出了各种《有趣的房子》；看了动画片《猫和老鼠》后画出了《小老鼠的故事》等。这些画线条简单，但有各种动态和情节，幼儿的想象得到了充分地表现。
(二) 建立新方法
l、线
齐白石说过：“学我者生，似我者死”尖锐地指出了模仿绘画的害处，有个性的线画出风格迥异的作品。以往教学方式提倡幼儿画直线来表示物体，越直越美，孩子们的创造意识被控制，同时也出现了许多问题。因此，在孩子创作中，教师要以线作为创作训练的重点，一个事物不要给予框死，应用以夸张、变化、添加、装饰等方法来处理，让幼儿创作出一个个新颖的形象。因此，在孩子创作中，教师要以线作为创作训练的重点，一个事物不要给予框死，应用以夸张、变化、添加、装饰等方法来处理，让幼儿创作出一个个新颖的形象。提倡幼儿用赋有质感的线条来刻画所描绘的事物。一位老师在绘画活动《未来的房子》中，孩子们喜欢用直线画长方形楼房。然而，同年级的另外一位老师则鼓励幼儿用另外的线条来，绘画更多形状的楼房。这样，幼儿的创造意识被激活了于是：“蘑菇房、两用房、树屋、空中房等等”在幼儿的笔下诞生了。
2、形
在幼儿非常喜爱的美术活动中，他们具有纯真的想象和丰富的创造力。如今，幼儿观察物体最大的特点就是把它夸张、变形。这是孩子们特有的感觉，为他们的创造想象奠定了良好的基础。所谓“初生牛犊不怕虎”，孩子什么都急于去尝试，非常愿意表现，没有束手束脚的顾虑，所以很多幼儿不会去考虑物体比例的正确与否，只会通过自己的创造想象把眼前所见的物体进行夸张、变化出来。如画《快乐的小丑》幼儿会把手、脚都画得很长、很细，身体很小、头很大、衣服、五官画得很夸张等等。因此，我们教师要根据幼儿自由大胆的特点，让他们运用夸张的造型变化，进行想象画创作。通过教师提问，鼓励，幼儿展开了丰富的想象，并画出了夸张、与众不同的物象。因此，在绘画活动中教师应多提问、多肯定幼儿，引导他们将现实的物象任意夸张、错位、变形、组合、打乱、改动……从而萌发每个孩子的想象意识。
3、色
美术教学中色彩的美观对儿童有着强烈的吸引力。幼儿时期，他们最喜欢在随意的涂抹中体味色彩对视觉的冲击；体味创造的成就感；体味快乐；这种体味是审美的摇篮。但对孩子们不要给予指定用色方法，让幼儿凭自己的情感大胆创造想象，涂上自己喜爱的色彩，给他们自由想象的空间。如画《我心中的太阳》，老师让幼儿自由想象太阳的颜色。你觉得是什么呢?幼儿可以随意用色。在画的过程中可以启发孩子：“你为什么喜欢这颜色?”因此，孩子们的创造意识就体现出来了，使他们的想象力更加丰富、更有创意。
（三）善于启发和引导，精心设计活动环节。
传统的美术教学只注重技能的训练和知识的灌输，忽视了幼儿的观察、思维、想象的培养。培养出的幼儿思维单一，艺术表现模式化、固定化，只会求同，不会求异，不敢创新。新《纲要》中说“用自己喜欢的方式进行艺术表现”“鼓励幼儿用不同艺术形式大胆表达自己的情感、理解和想象”。因此，作为教师在活动中应处于主导地位，充分发挥主导作用。老师还必须了解幼儿，幼儿的生活世界与大人相比是浅显简单的，生活经验缺乏的他们理解语言符号的能力相对较弱，因此，我们在美术教育活动中根据教材特点，选择与幼儿生活相近相关的、富有启发性的语言，帮助幼儿理解创造意图，使幼儿的创造活动基于教材之上，又发散于世界无限空间之中。比如，老师教幼儿画《神奇的鱼》时，先和幼儿一起谈谈我们在电视里或别的地方看到了哪些鱼，启发幼儿回忆鱼儿生活的地方和鱼的基本特征，孩子们根据对自己生活经验的回忆，争先恐后地说：鱼是生活在水里，它游的时候，尾巴也会跟着摇去，它还有控制方向的鱼鳍等等。最后他们设计出的鱼，造型奇特且动作富有变化，情节颇具童趣，表现出极有个性的创造。幼儿心理具有泛灵性的特点，在他们幼稚的心里，世上的一切物质和人一样是有生命、有喜怒哀乐的，在语言中经常采用拟人比喻的方法向幼儿阐明创造意图，这种方法可以让绘画内容与幼儿生活连接，使他们产生丰富的想象与创造。当我们把太阳叫做太阳公公时，幼儿便给太阳画上胡子。面对丰富多彩的语言，幼儿更感兴趣更易理解，生动、形象的描述，不仅有助于幼儿理解创造意图。更有助幼儿浮想联翩。孩子们的绘画过程不但给予了他们动手操作的乐趣，而且也是一种快乐的创造。他们具有表现形象的潜在能力，由于幼儿的年龄小，认识不完全，常常会把局部不同特征的事物混在一起，组成新的、非现实的、怪异的形象，有的反倒会构成一幅美丽的图画。只是，幼儿不能明

Ⅶ 怎么进行绘画创作

我给你说一下我的创作经验，一开始就想凭空创作是不太可能的，想提高这方面的水平有一个比较最快的途径，就是半临摹半原创。那些大师凭空画出的那些精彩作品其实大多都是以前他曾经画过的东西，然后通过丰富的绘画经验，加上其他元素用另一种形式表现出来，所以也并不是完全的凭空想象，只不过是他们画的东西比较多，掌握的表现手法比较多，这样在创作时有一个庞大的“数据库”来支持，脑子里想到一个东西马上就能通过笔表现出来。
普通人想创作的话可以拿一些大师的作品来参考，象我是从国外的技术交流网站来找素材参考的，最常去的是CGTALK，这里星级比较高的作品都是我收集的目标，因为是各国高手评选出来的，绘画手法和品质都是得到高手承认的，学习这样的作品可以更快的进步。
参考方法是最重要的，一副好的作品可学习的地方有很多，比如构图、色彩搭配、图案设计等等，开始时可以先找些自己喜欢的作品，先只学习这幅画的某一方面，比如只学习它的色彩搭配，然后你就可以把这套颜色应用到另一副作品中，直到完全掌握了这套颜色的用法，这样在以后创作中可以直接套用大师级作品的用色方案，好看的配色有很多人都会参考，只要用了马上就会出效果。再比如你喜欢另一幅作品的构图，然后你就可以根据这个构图重新构思一张作品，可以简单的把场景换一换，比如把山换成大楼，河换成小路等等，最后只为掌握这种构图方式。
按照上面这种方式一边参考一边创作，进步会很快，如果只是凭自己想象的话，绘画水平是永远提高不了的，因为创作思路始终停留在自己能想到一些东西。只有不断学习高手的技法，然后把他们的技法溶入到自己的作品中才是最有效的，最节省时间的。

Ⅷ 儿童小店的图画如何去创造

去广告公司做

Ⅸ 问：怎样从生活中创造出个性化的绘画作品

绘画装饰内容摘要：当前，绘画的装饰性语言在各画种中都得到了普遍的重视和运用，但也出现了使用不当的问题。本文认为应重视这一问题的研究，并就装饰绘画与绘画装饰的异同进行了比较，指出绘画装饰性语言的使用应把握好准确适度的原则。关键词：装饰绘画绘画装饰度常言道：万事皆有度。绘画装饰语言的运用也不例外，也是有度的。当前，绘画的装饰语言在各画种的创作中都得到了重视和运用，极大地丰富了各个画种的绘画语言，但同时我们也不难看到，一些绘画作品存在着装饰语言使用过度和不当的问题。过于理性、刻意的装饰处理，混淆了绘画变形与图案变形的区别，把复杂丰富的绘画形式等同于简单概念的平面构成原理，等同于装饰画和图案纹样。如何准确有度地运用绘画的装饰语言，是值得我们高度重视的、具有现实意义的问题。长期以来，人们在谈论装饰问题时，忽视了装饰绘画和绘画装饰两者之间质的区别，这便影响到对装饰绘画和绘画装饰的概念的理解与解说，也影响到绘画创作中对装饰语言度的把握。所以，我们有必要弄清什么是装饰，什么是装饰绘画，什么是绘画装饰，以及它们之间的异同。在绘画艺术创作中，“装饰作为基于一种形式冲动的根本艺术活动，其特征是在于根据对称、均衡、节奏等形式原理赋予作品以抽象化、规则化的形式美”①。实际上，装饰本身就是艺术，装饰性与艺术性是密不可分的一个整体。装饰绘画是绘画却不是纯绘画，虽然它和纯绘画都强调主观感受，偏重于表现与写意，艺术风格也比较接近，但它们仍然是有区别的。一般来说，装饰绘画的装饰性强而外露，绘画装饰的装饰性弱而含蓄。绘画装饰有着自己鲜明的个性特征：一是它的从属性，装饰绘画表现出对装饰物主体的依附与适应，也就是装饰作品依附于某一物体或适应于某种环境，这种从属性正是装饰绘画赖以生存的基础；二是它的独立性，装饰绘画有着自己独立的审美风格和样式，它淡化内容、淡化思想性，强化形式美与装饰美，突出了人工创造与自然状态的区别，刻意追求错彩镂金的华美艺术风格。而绘画装饰不仅仅讲究绘画的形式美，更注重表现画家的思想感情以及鲜明的个人风格。在造型和形式上，装饰绘画和绘画装饰有许多相同之处。如在造型上，都注重夸张变形，突出高度的概括性与简练性；在构图上，都注重追求自由时空，表现平面化的无焦点透视的多维空间；在色彩上，都讲究化繁为简，不追求明暗、远近及写实的冷暖关系，而追求色彩的象征性。但在对装饰语言的具体运用上却是有区别的：绘画装饰较为内在含蓄，强调天然去雕饰，不露痕迹，浑然一体，强调艺术语言的个性化，并注重把思想性与艺术性融为一体。而装饰绘画更注重外观的视觉形式美感的设计性，有明显的人工美化的刻意匠心，其形式概念化、艺术语言程式化，共性大于个性。因此，它的依附性、实用性和局限性决定了它缺乏绘画作品对客观事物进行充分表现的自由度和独立性，自然也就缺乏充分展示画家思想情感的艺术空间。另外，在审美体验上，装饰绘画由于是以实用为目的，是外部生活的装饰，主要供人们消遣和玩赏，给人们以轻松愉悦的快感，较少思想和情感意蕴，因而它给人的审美体验只是浅表性的，缺乏深度。而绘画装饰是以运用装饰语言来表现画家情感，挖掘人的丰富性，以表达自己对人生、对社会的深刻理解为目的，具有丰富的意蕴和深刻的含义。可以看出：装饰绘画与绘画装饰在表现手法、表现目的以及审美体验上都有许多不同。现代绘画创作普遍引入西方平面构成的装饰原理，使画面具有强烈的平面化、单纯化、夸张性、稳定感、韵律感和秩序感等特点，给人以所谓现代感。但过分强调规则、秩序等构成因素，会导致画面形式的僵化和呆板。因为镂刻太甚，损伤内美，过分人工化的斧凿修饰，会使艺术形象远离生活真实，丧失自然之美的纯朴性。平面构成只是初级的、理性的、共性的一般形式规律，其简单概念、缺少个性的符号语言和形式法则，是无法直接表现客观世界的复杂性和丰富性的。现代感也不仅仅是一种构成语言，还应包括现代人的意向、情感和趣味。构成是艺术思想和个性表现的载体，而非艺术创造的最终目的。如果把构成的基本规律变成僵死的程式与教条，便违背了艺术的规律。因此，绘画创作应创造性地运用这种装饰语言，表现自己的艺术思想，还应重视对中国传统绘画形式及美学原理的研究与继承。中国画在绘画装饰上力求体现精神与自然的统一，表现与再现的统一，似与不似的统一，人工美与自然美的统一，意识与无意识、理性与非理性的统一。在具体处理上讲求虚实相生、浓淡相宜，以及藏与露、方与圆、聚与散、疏与密、动与静、曲与直、开与合、连与断、有与无、纵与横、大与小、长与短、阳与阴等对偶范畴，这些都处处体现了适度的原则。这一原则是对“以天和天”的自然之美的崇尚。清代刘熙载在《艺概》中对自然之美进行了总结分析，他认为既要“肇于自然”、“无我”、“以万物为我”，即“立天定人”，又要“造于自然”，回到自然，“由人复天”。这是对自然之美认识的一个提升，也是要在更高层次上达到自然和真实。这种自然之美包含有装饰成分，只不过“既雕既琢”后能“复归于朴”，不留人工痕迹，这是艺术加工、装饰应遵循的原则，也是艺术创作的规律。因此，装饰之美与自然之美并不是绝然对立的，而是相互为用的。艺术创造首先是人和生命的创造，是精神的体现。如何运用好绘画装饰语言，准确表达自己的思想情感，是装饰语言使用的目的，也是画家的经历、修养和能力高下的具体体现。因此，每个画家都应从自己的情感和立意出发，去深入探索研究绘画装饰的原理和方法，并能创造性地运用，把装饰性与思想性融为一体，从而真正创造出意蕴深邃、感人至深的绘画作品。注释：①（日）竹内敏雄主编：《美学网络词典》，刘晓路、何志明、林文军译，湖南人民出版社，长沙，1988，第193页。拜托最佳啦